En el siglo XVIII, el nordeste de Brasil era una tierra de pobreza y carencia, caracterizada por su clima seco, árido e inclemente. Habiendo sido la esclavitud recientemente abolida, la sociedad era dominada por señores feudales y políticos poderosos. En ese contexto social, emergieron grupos de bandoleros dedicados a robar y asesinar a miembros de familias hacendarias adineradas, para financiar la compra de armas y la propia supervivencia. A pesar de ser individuos crueles y despiadados, eran protegidos por la gente del pueblo, pues en ellos veían un ejemplo de lucha contra el sistema feudal en el cual se encontraban sometidos.

Estos personajes eran conocidos como los cangaceiros ("bandidos"). Sus líderes, Lampião y María Bonita, en 1938 fueron decapitados en una emboscada junto a otros bandidos, pero a través de los años han sido inmortalizados en la cultura popular brasileña, inspirando diversas canciones, libros, películas, etc.

Desconozco si este trozo de historia brasileña inspiró de alguna manera la música de la banda penquista CANGACEIRO, pero lo cierto es que podríamos igualmente calificarlos como unos "bandoleros progresivos", pues para construir su propuesta toman y se apropian de distintos estilos musicales e influencias sonoras del género.

El disco "Alumbramiento", que presento a continuación, es una prueba fehaciente de lo anterior. Aún siendo una placa que apenas supera los 33 minutos de duración, incluye piezas de un notable eclecticismo, transitando entre pasajes de fusion latinoamericana (recordando a CONGRESO), folk andino, cuerdas crimsonianas (nótese la referencia en el nombre de la pieza n°8... notable!) y rock de vanguardia, muy al estilo de los chilenos de FULANO. Todo esto convierte a "Alumbramiento" en un trabajo que considero como sumamente interesante, novedoso y, por sobre todo, disfrutable.

Listado de composiciones

1. Festejo
2. Chulengo
3. Secuestro de una Doncella
4. Sojuzgado por una Quimera
5. Diptongo
6. Epopeya
7. Metamorfosis a Cuatica Cueca
8. Kirg Quimshon

Tiempo Total: 33:40

Formación/ Músicos

Andres Urrutia / guitarra electroacústica, charango
Alvaro Elizalde / conga, bongo, quenacho, quena
Cesar Garrido / guitarra eléctrica
Nestor Santibañez / bajo eléctrico
Victor Garrido / percusiones
Ricardo Barraza / timbaletas

Para mayor información, pueden visitar su Myspace en la siguiente dirección:

http://www.myspace.com/bandacangaceiro

Y para degustar, los dejo con el tema "Festejo" en vivo. ¡Que lo disfruten!



No olviden dejar sus comentarios e impresiones.

¡Un abrazo para todos desde el Árbol Progresivo!

Con estas palabras Thomas Andersen, tecladista, programador y productor de Gazpacho, relata cómo la agrupación acuñó el nombre que los haría conocidos y aclamados en el mundo del rock progresivo y el art rock.

La historia de estos noruegos se remonta a mediados de la década de los noventa, fecha en la cual Jon-Arne Vilbo (guitarra) y Thomas Andersen, ambos amigos de infancia, comenzaron a incursionar en la música como miembros de la banda “Delerium”. Cuando ésta acabó, algunos años de separación demorarían el reencuentro de ambos músicos y su contacto con Jan-Henrik Ohme (voz), sucesos que condujeron a la primera formación de Gazpacho.

Todos los miembros de la banda fueron cercanos al fanclub virtual de Marillion, lo que llevó a Ohme a ser invitado a cantar un tema de esta banda al show “Swap the band” de la primera “Marillion Convention Weekend”. En dicha instancia llevaron consigo un EP llamado Get it While It´s Cold que repartieron gratuitamente, y que comenzó a difundir su música.

En Mayo de 2002 la banda entró a un concurso de canciones en “Make a Star” con su tema Sea of Tranquility y obtuvieron el primer lugar. Posteriormente, lo hicieron de nuevo con Nemo. Esto aumentó la ovación de su EP. A estas alturas, la agrupación contaba ya esporádicamente con el violinista Mikael Krømer, quien más tarde además se convertiría en productor de Gazpacho y se integraría definitivamente como un integrante estable.

En 2003 lanzan su primera placa, Bravo, la cual mezcla temas del EP con nuevas composiciones. Con esta primera incursión logran internacionalizarse y consolidarse como una nueva promesa en los círculos del art rock. La música de Gazpacho comienza a expandirse con su cualidad eminentemente nocturna, de una belleza casi femenina a ratos, cruzada por bellos e inteligentes arreglos y exquisitas texturas que crean atmósferas ricas y diversas. Los temas poderosos y extrovertidos son contados en sus discos, aunque poseen el mismo espíritu pasional, sensible y cuidado, sello identitario de su sonido.

Una gran oportunidad se presenta cuando son invitados a telonear a Marillion en su gira promocional de Marbles. Gracias a ello, muestran su trabajo en más de 11 países, habiendo previamente lanzado su segundo disco, When Earth Lets Go. En este período (2004-2005) Robert Risberget Johansen se une a la formación de la banda como baterista, y Kristian Torp como bajista.

Si con Night (2007) Gazpacho se hace respetar más que nunca por el público progresivo, creo que Tick Tock es una obra que sigue a la perfección los pasos de dicho disco conceptual, haciendo a la banda cada vez más imprescindible. Esta vez, el concepto elegido se basa en las experiencias relatadas por el escritor francés Antoine de Saint Exupéry en su libro Wind, Sand and Stars (1939). En 1935, el escritor y filósofo se encontraba volando junto a André Prévot en un Aeropostále, firma que más tarde evolucionaría en Air France. La incipiente tecnología provocaba accidentes a menudo, y tal fue la suerte de ambos hombres quienes en determinado momento del vuelo se estrellaron en medio del desierto del Sahara y sobrevivieron. Luego de una prolongada peregrinación por el desierto, ambos hombres vencieron a la adversidad y vivieron para contarlo, pero sin duda una experiencia como aquella marcó de manera definitiva el fecundo espíritu de Saint Exupéry, quien desarrolló una serie de ideas y reflexiones filosóficas a partir de las vivencias en el desierto profundo y de la idea de volar. Haciendo una metáfora de la relación del piloto con su avión, nuestro espíritu pareciera volar tan alto como nuestros cuerpos físicos lo permiten, sintiendo una fuerte nostalgia al mirar las estrellas, nuestro verdadero hogar. La idea central podría ser resumida como sigue:

“El viento del espíritu, proveniente de las estrellas, entra a la arena del cuerpo físico y la vida comienza nuevamente. En nuestra esencia más íntima, todos somos viento, arena y estrellas”


Hermoso, ¿No? Sin duda, tanto las letras como la música de Tick Tock hacen honor absoluto a dicha belleza. Y creo que conocer previamente un poco de la historia que inspira el disco, añade un gran valor agregado a su escucha, pues cambian las sensaciones, las imágenes, la vivencia que permite la música. Desert Flight es un poderoso y vertiginoso comienzo, emulando la eufórica sensación de volar. Poderosos riffs, versos a mansalva, batería y bajo incansables y teclados exquisitos nos sumergen en el nuevo trabajo de Gazpacho. Casi al final de la composición, Kromer rompe la euforia anunciando con su violín el violento aterrizaje del avión, y así comienza The Walk, la interminable y fatigosa caminata por el desierto y su vastedad.

La parte 1 es de una capacidad introspectiva tremenda, tocando fibras profundas y llevándonos con sus atmósferas a sentirnos realmente en el Sahara, bajo la atenta mirada del cielo estrellado. Ayudan a esta sensación el sonido emulando el silbido del viento, acompañado de guiños a música oriental. Nuevamente Kromer anuncia con su solo de violín un cambio. Comienza la segunda parte de la caminata, esta vez bajo el sol implacable. Cierra los ojos, está a tu alrededor, en todos lados, el ardiente manto de putrefacción. Ohme versa sobre las ganas de morir, de terminar con el suplicio con una certera bala en la cabeza, pero hay algo que impulsa a la vida, a caer y a ponerse de pie nuevamente, porque de todos modos, ¿No tenemos todos nuestro propio camino que seguir?...

Tick Tock va más profundo aún. El sonido del reloj emula el ritmo continuo de las pisadas en el desierto. Es increíble cuan hondo cala este tema…no hay lugar donde esconderse. Escuchas el trueno, el aire es más joven, el motor está frío, pero si tienes suerte, lo escuchas hablar. Está tu alma desnuda expuesta a la soledad del desierto. El tema intercala riffs, solemnes coros, y una diversidad de texturas deliciosa. La segunda parte de Tick Tock sigue la misma fórmula, con algunos momentos más voluptuosos y electrizantes, que se intercalan con pasajes puramente ambientales, casi new age, y en la parte 3 las letras nos hablan de cómo sin darnos cuenta saboteamos nuestra propia vida, cubriéndonos de mentiras y necesidades creadas artificialmente, pero la verdad, la esencia, jamás desaparece, y aunque permanezca sepultada bajo un manto de artificialidad, es una fuerza que gobierna nuestra vida y nuestras decisiones.

Winter is Never cierra el disco como un precioso arrullo luego de una experiencia tan cercana a la muerte como lo es la violencia del alma expuesta bajo la luz inefable de la verdad. Es el regreso a casa, sentir nuevamente las manos del ser amado, pero con una nitidez diferente, viendo su cara bañada por una luz exangüe. Es una sensible manera de demostrar que, para el ser humano en su esencia más íntima, no existe el invierno, pues el espíritu tiende a la belleza, a la creación, al orden y a la luz. Una canción que se aleja lentamente en el horizonte, extendiendo con elegancia sus alas blancas, estremeciéndonos, y haciéndonos agradecer a Gazpacho por una creación como esta, que no necesita de grandes complejidades para tocar las alturas.

Composiciones

1 Desert Flight (7:39)
2 The Walk (13:41)
3 Tick Tock (22:24)
4 Winter Is Never (4:55)

Tiempo Total: 48:39

Formación/ Músicos

- Thomas Andersen / piano & keyboards
- Jon-Arne Vilbo / guitar
- Kristian Torp / bass
- Mikael Kromer / guitar & violin
- Robert R. Johansen / drums
- Jan-Henrik Ohme / vocals

Espero les guste

¡Saludos!

Time´s Forgotten es una banda de metal progresivo creada en 2004 en San José, Costa Rica. Su miembro fundador más destacado es Juan Pablo Calvo, quien comenzó a tomar clases de piano a los 8 años, pero rápidamente se inclinó por la guitarra siguiendo la corriente grunge. Pronto descubrió el heavy metal y el rock progresivo y, cuando terminó la escuela, dejó la guitarra para volver a los teclados. Luego de participar en diversas bandas y de aprender cómo escribir y arreglar canciones, decide formar una nueva banda: Time´s Forgotten. Para esto se contacta con otros talentos amantes del metal y el progresivo, junto a quienes conforman la banda más prominente de la escena progresiva de su país.

En 2006 lanzan su primera placa, “A relative moment of peace”, con la cual logran éxito comercial, y posteriormente comienzan sus primeras presentaciones en vivo. Ya en 2007 son invitados a presentarse en el respetado escenario del Bajaprog mexicano, donde son la primera banda costarricense que participa de dicho festival.


El estilo de esta banda puede ser descrito como un metal progresivo inspirado en diversas influencias. Al escuchar su música recordamos de inmediato a Dream Theater, pero también identificamos guiños a Porcupine Tree y a Pink Floyd en los momentos acústicos y atmosféricos, y a Opeth en los pasajes de mayor intensidad.


Para quienes conocen “A Relative Moment of Peace”, al enfrentarse a “Dandelion” notaran de inmediato que es un disco con mayor complejidad y fuerza que el anterior, mayor protagonismo de la batería y pasajes mucho más intensos. De igual modo, la banda sigue utilizando muy bien la combinación entre el metal, los momentos acústicos y los arreglos electrónicos, dando como resultado un disco muy bien construido, con composiciones de melodías entrañables, ricos arreglos, excelente vocalizaciones y, sobre todo, una frescura distintiva. Y es que “Time´s Forgotten” son, a mi gusto, una de aquellas bandas metal progresivas capaces de dar un paso al costado y de darle identidad a su sonido, diferenciándose de las fórmulas ya tan manoseadas del género, y logrando incluso crear temas que quedan impregnados en el oyente luego de una preliminar primera escucha. He leído algunos comentarios en la red, en los cuales algunos melómanos echan de menos “más solos” en el disco. Por mi parte, valoro el álbum tal y como es, y pienso que si le hubiera dado mayor palestra al virtuosismo, “Dandelion” no me hubiese llegado como lo hizo. Para mí, el valor de este trabajo reside en su sonido fresco y versátil, donde las maravillas técnicas son solo un ingrediente, no la finalidad.

“Dandelion” es, con certeza, un paso adelante en la carrera de los “Time´s Forgotten”, recomendado para todo amante (o amigo con ventaja ocasional, entre los que me incluyo) del metal progresivo.

1. 8:03pm (These Streets)
2. Second Time
3. Indifferent
4. Silent Waters
5. The Tale of the Sun and Moon (Dandelion)
6. Backhome
7. Everything's Not Lost
8. Gone Into the Mountains
9. I Welcome You My Night

Formación / Músicos

Francisco Longhi / Voz principal
Juan Pablo Calvo / Teclados, voz, samples
Ari Lotringer / Guitarra, voz
Leonardo Valverde / Guitarra, voz
Jorge Sobrado / Percusiones acústicas y electrónicas
Carlos Pardo / Guitar bass

Invitados

Eduardo Oviedo / Vientos (tin whistle, low whistle y Uillean pipes)
Oscar Blanco / Voz y versos
Adriana Muñoz / Voz, grunts
Julio Nájera / Voz
María Fernanda Calvo / Voz

¡Visita el myspace de la banda!

http://www.myspace.com/timesforgottenband

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Saludos!

La historia de Charanku se remonta al año 2001, cuando el coreógrafo Mauricio Barahona le encarga a Ítalo Pedrotti la música para su obra “Fotodanza”. La idea era incluir una pieza musical compuesta para un ensamble de charangos dentro de una estética “delirante”, como la definió el propio coreógrafo. Surge entonces la obra “Cuatro Jinetes”, y con ello la idea de seguir desarrollando este concepto musical.

Este disco fue grabado entre Septiembre de 2007 y Mayo de 2008. Se trata del primer disco en estudio de Charanku, el cual recopila 10 composiciones instrumentales unificadas por una sonoridad en donde el eje principal es el charango. La idea de esta primera producción es comenzar a explorar un territorio nuevo para este instrumento, que siempre se ha asociado a la música andina y folklórica latinoamericana, y que en esta ocasión transita por los caminos del rock. El disco ha sido financiado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes del Gobierno de Chile, y es el resultado de un proyecto titulado “Charango Progresivo”, presentado a concurso público en Marzo de 2007. (Extraído de http://www.charanku.cl/)

Charangos ejecutados con elegancia y pulcritud, profundos y extensos solos de bajo, teclados atmosféricos, un exquisito piano (“Vuelo de Pájaros”), una batería mística e hipnótica y, por supuesto, una chispeante guitarra eléctrica (“Sibanak, el ángel errante”) son los ingredientes que dan vida a “Charango progresivo”, refrescante producto chileno que vio la luz en 2008. Esta obra transita entre una delicada melancolía andina (“Reencuentro”) y pasajes muy intensos (“Cuatro Jinetes”), donde todos los instrumentos comulgan alrededor de una erupción impresionante de sonidos. Y es que, aunque el charango es un elemento protagónico, y sorprende la variedad de maneras en que es utilizado, cada instrumento tiene su momento de fulgor, como en toda obra que se precie de llamarse “progresiva”. De verdad agradezco al azar por haber hecho que me encontrara con esta riquísima obra. Sin exagerar, a lo menos experimentarán asombro luego de oírla de principio a fin. ¿Alguna referencia? Sí. Podrían ser Los Jaivas, con la académica pulcritud de Congreso, más una importante dosis de originalidad…y todo lo anterior con el mágico toque del charango!

Listado de Composiciones

Reencuentro
Otoñal
Tonada Triste
Cuatro Jinetes
De Ushuaia a la Quiaca
Vuelo de Pájaros
Sibanak, el ángel errante
Sideral
Ascotán
Amaneceres

Formación/ Músicos

Ítalo Pedrotti (charango, charangón, ronroco, guitarra acústica y percusión)
José Luis Delpiano (charango)
Ítalo Aguilera (guitarra eléctrica)
Patricio Lisboa (guitarra eléctrica, contrabajo y loops)
Felipe Conejero (bajo eléctrico)
Diego Salazar (piano acústico y eléctrico)
Marcelo Arenas (batería).

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Saludos!

Traduzco información oficial anunciada por la banda:

"Porcupine Tree está feliz de anunciar el próximo lanzamiento de su décimo álbum de Estudio, "The Incident". La grabación será lanzada por Roadrunner Records para todo el mundo el 21 de Septiembre como un CD doble.

La pieza central es el track que le da nombre al disco, la cual ocupa la totalidad del CD1. Este trabajo, con una duración de 55 minutos (!!! ), puede ser descrito como "una canción cíclica, ligeramente surreal, que nos habla de comienzos y finales, con un sentimiento de que "después de esto", las cosas jamás volverán a ser iguales..."

Este álbum se completa con cuatro tracks independientes desarrolladas por la banda el pasado diciembre, y están separadas en un EP para marcar su separación de la primera "suite".

Pronto habrán videos de la banda en estudio trabajando en la construcción del disco, y también previews de audio, para disfrutar online. La banda comenzará en Septiembre una gira para promover el álbum (Y sudamerica? seguramente no hay que hacernos ilusiones )"

Tracks:

Disco 1

1. The Incident
I. Occam's Razor
II. The Blind House
III. Great Expectations
IV. Kneel and Disconnect
V. Drawing the Line
VI. The Incident
VII. Your Unpleasant Family
VIII. The Yellow Windows of the Evening Train
IX. Time Flies
X. Degree Zero of Liberty
XI. Octane Twisted
XII. The Séance
XIII. Circle of Manias
XIV. I Drive the Hearse

Disco 2

1. Flicker
2. Bonnie the Cat
3. Black Dahlia
4. Remember Me Lover

Músicos

Steven Wilson - vocals, guitar, piano
Richard Barbieri - keyboards, synthesizer
Colin Edwin - bass guitar
Gavin Harrison - drums

Fecha de lanzamiento: September 21, 2009.
Sello: Roadrunner

A esperar otra de las sorpresas de este fructífero 2009!

Por fin está en nuestras manos! Hace poco ha aterrizado “Octahedron”, la nueva placa de los Mars Volta, y ha venido para quedarse.

Nuevamente es el pintor surrealista estadounidense Jeff Jordan (http://www.jeffjordanart.com) quien le da vida al artwork de este nuevo trabajo. Con su particular estilo, desde “Amputechture” de 2006 Jordan ha consolidado una imagen para la banda, imagen que con seguridad le queda muy bien, y que es fiel a los delirios y desvaríos de sus sonidos y líricas.

Antes de compartir con ustedes mi experiencia del disco, les adelanto que al escucharlo se encontrarán con algo muy diferente a lo que imaginaban. Por supuesto, a todos quienes nos gusta la banda esperamos que este nuevo álbum se parezca a nuestro disco favorito. Pero no. Estamos frente a un producto único, que difícilmente resiste comparaciones. De eso me di cuenta luego de apreciar varios de sus temas. En fin, los invito a conocerlo!

Todo comienza con “Since We´ve been wrong”, el tan anunciado primer single del disco. Al principio, sólo oímos una nota en el teclado, la cual no hace más que sumergirnos lentamente en el etéreo mundo de Octahedron. Luego se suma una guitarra acústica y la voz de Cedric en un estilo bastante íntimo. Recién en el coro la eléctrica de Omar comienza a entrelazarse con Cedric, y se asoma la decadente psicodelia que le da el sello a la banda, pero con una sobriedad y moderación que sorprenden. Aunque logra aumentar la energía del tema, incluso la posterior intervención de Thomas Pridgen en la batería suena algo tímida, sobre todo si recordamos su estruendoso debut en “The Bedlam in Goliath”.

Cuando ya comienzo a preocuparme, “Teflón” llega a sacarnos del letargo. ¡Sí! Una pequeña inyección de fuerza al disco, aunque la batería para mi gusto sigue sin atreverse. Pero el resto de la banda hace un trabajo impecable, creando un escenario obscuro y profundo como solo ellos saben hacerlo. De todos modos, sigo teniendo esa sensación de que este “Octahedron” no es una debacle de energía como los trabajos anteriores de la banda, sino que todo sonido está perfectamente contenido, moderado y calculado. Veamos que sucede a continuación…

…debo decir que me encanta la hipnótica apertura de”Halo of Nembutals”. De improviso, este frágil velo es roto por la poderosa batería de Pridgen, la cual rápidamente vuelve a comportarse de manera educada, y nuevamente me deja con las ganas de oír todo su potencial. El desarrollo del tema es bastante parejo, sin sorpresas, hasta que en el minuto 4:50 por fin hay signos de desquicio! El piano se descontrola, acompañado de poderosos y graves riffs, y de una batería moderada, pero con presencia. Lo malo es que el delicioso bocado acaba demasiado pronto...en fin, aún queda disco, así que sigamos escuchando pacientemente…

“With twilight as my guide” nos acuna en un lento espiral. Las texturas y arreglos son exquisitos y envolventes, jugando entre la obscuridad y la luz. Aunque el tema no es espectacular, por primera vez en el disco siento que los contornos de este “Octahedron” se difuminan, y que la energía tan fuertemente contenida encuentra una vía de escape en forma de una espesa y delirante nebulosa que se expande lentamente hacia los sentidos...

¡“Cotopaxi”! Por fin se deciden a presionar la válvula de escape! Me aburrí de las comparaciones. Simplemente, me dispongo a disfrutar del quinto álbum de estudio de los Mars Volta, el cual ya a estas alturas ya me comienza a hacer sentido como un todo en sí mismo. Parece que, de a poco, voy comprendiendo la esencia de este nuevo álbum, y comienzo a penetrar en su mundo…