Feliz Navidad y un Excelente 2010 para los amigos del Árbol Progresivo

Tallado bajo Por Usul
Amigos del árbol progresivo:


Mediante este post, queremos manifestar nuestros más sinceros agradecimientos por sus comentarios y visitas este año 2009 que ya se nos va, y a la vez los invitamos a seguir enriqueciendo el blog con sus opiniones, recomendaciones, y aportes de cualquier tipo. Reciban todos un fuerte abrazo desde el árbol progresivo, y les deseamos un año 2010 repleto de satisfacciones, alegrías y muy buena música. ¡Gracias a todos por su preferencia y por el ánimo que nos han dado para seguir!


Por otro lado, les contamos que este blog es mantenido por dos personas: quien les escribe y mi amigo Ovejuno. Para ambos fue un año lleno de proyectos y responsabilidades, por lo cual muchas veces nos fue imposible actualizar el sitio con la regularidad que hubiésemos querido. Como muchos se habrán dado cuenta, en el blog apostamos por la calidad más que por la cantidad, estilo que seguirá rigiendo el proyecto desde aquí en adelante, pues creemos que es mucho más fructífero y ameno invitar con nuestros posts a comentar y a debatir que convertirnos en una bodega-cementerio de links. Queremos que la gente que nos visita se sienta con la libertad de expresarse y comentar. ¡Eso es lo que le da vida al sitio!


Feliz 2010 amigos… ¡QUE EL PROG LOS ACOMPAÑE!

GAZPACHO - Tick Tock (2009) Crossover Prog, Noruega


“Somos una mezcla muy improbable de personas, no lo que esperarías ver en una banda. Por eso, pensamos que Gazpacho, la cual es realmente la sopa más bastarda (con vegetales mezclados, servida fría), era el nombre perfecto para nuestro grupo(...) Con Gazpacho te encuentras con una sorpresa, con algo inesperado, algo fuera de la norma, una contradicción positiva. Sentimos que esto describe muy bien a nuestra banda”


Con estas palabras Thomas Andersen, tecladista, programador y productor de Gazpacho, relata cómo la agrupación acuñó el nombre que los haría conocidos y aclamados en el mundo del rock progresivo y el art rock.

La historia de estos noruegos se remonta a mediados de la década de los noventa, fecha en la cual Jon-Arne Vilbo (guitarra) y Thomas Andersen, ambos amigos de infancia, comenzaron a incursionar en la música como miembros de la banda “Delerium”. Cuando ésta acabó, algunos años de separación demorarían el reencuentro de ambos músicos y su contacto con Jan-Henrik Ohme (voz), sucesos que condujeron a la primera formación de Gazpacho.


Todos los miembros de la banda fueron cercanos al fanclub virtual de Marillion, lo que llevó a Ohme a ser invitado a cantar un tema de esta banda al show “Swap the band” de la primera “Marillion Convention Weekend”. En dicha instancia llevaron consigo un EP llamado Get it While It´s Cold que repartieron gratuitamente, y que comenzó a difundir su música.


En Mayo de 2002 la banda entró a un concurso de canciones en “Make a Star” con su tema Sea of Tranquility y obtuvieron el primer lugar. Posteriormente, lo hicieron de nuevo con Nemo. Esto aumentó la ovación de su EP. A estas alturas, la agrupación contaba ya esporádicamente con el violinista Mikael Krømer, quien más tarde además se convertiría en productor de Gazpacho y se integraría definitivamente como un integrante estable.


En 2003 lanzan su primera placa, Bravo, la cual mezcla temas del EP con nuevas composiciones. Con esta primera incursión logran internacionalizarse y consolidarse como una nueva promesa en los círculos del art rock. La música de Gazpacho comienza a expandirse con su cualidad eminentemente nocturna, de una belleza casi femenina a ratos, cruzada por bellos e inteligentes arreglos y exquisitas texturas que crean atmósferas ricas y diversas. Los temas poderosos y extrovertidos son contados en sus discos, aunque poseen el mismo espíritu pasional, sensible y cuidado, sello identitario de su sonido.


Una gran oportunidad se presenta cuando son invitados a telonear a Marillion en su gira promocional de Marbles. Gracias a ello, muestran su trabajo en más de 11 países, habiendo previamente lanzado su segundo disco, When Earth Lets Go. En este período (2004-2005) Robert Risberget Johansen se une a la formación de la banda como baterista, y Kristian Torp como bajista.


Si con Night (2007) Gazpacho se hace respetar más que nunca por el público progresivo, creo que Tick Tock es una obra que sigue a la perfección los pasos de dicho disco conceptual, haciendo a la banda cada vez más imprescindible. Esta vez, el concepto elegido se basa en las experiencias relatadas por el escritor francés Antoine de Saint Exupéry en su libro Wind, Sand and Stars (1939). En 1935, el escritor y filósofo se encontraba volando junto a André Prévot en un Aeropostále, firma que más tarde evolucionaría en Air France. La incipiente tecnología provocaba accidentes a menudo, y tal fue la suerte de ambos hombres quienes en determinado momento del vuelo se estrellaron en medio del desierto del Sahara y sobrevivieron. Luego de una prolongada peregrinación por el desierto, ambos hombres vencieron a la adversidad y vivieron para contarlo, pero sin duda una experiencia como aquella marcó de manera definitiva el fecundo espíritu de Saint Exupéry, quien desarrolló una serie de ideas y reflexiones filosóficas a partir de las vivencias en el desierto profundo y de la idea de volar. Haciendo una metáfora de la relación del piloto con su avión, nuestro espíritu pareciera volar tan alto como nuestros cuerpos físicos lo permiten, sintiendo una fuerte nostalgia al mirar las estrellas, nuestro verdadero hogar. La idea central podría ser resumida como sigue:

“El viento del espíritu, proveniente de las estrellas, entra a la arena del cuerpo físico y la vida comienza nuevamente. En nuestra esencia más íntima, todos somos viento, arena y estrellas”


Hermoso, ¿No? Sin duda, tanto las letras como la música de Tick Tock hacen honor absoluto a dicha belleza. Y creo que conocer previamente un poco de la historia que inspira el disco, añade un gran valor agregado a su escucha, pues cambian las sensaciones, las imágenes, la vivencia que permite la música. Desert Flight es un poderoso y vertiginoso comienzo, emulando la eufórica sensación de volar. Poderosos riffs, versos a mansalva, batería y bajo incansables y teclados exquisitos nos sumergen en el nuevo trabajo de Gazpacho. Casi al final de la composición, Kromer rompe la euforia anunciando con su violín el violento aterrizaje del avión, y así comienza The Walk, la interminable y fatigosa caminata por el desierto y su vastedad.

La parte 1 es de una capacidad introspectiva tremenda, tocando fibras profundas y llevándonos con sus atmósferas a sentirnos realmente en el Sahara, bajo la atenta mirada del cielo estrellado. Ayudan a esta sensación el sonido emulando el silbido del viento, acompañado de guiños a música oriental. Nuevamente Kromer anuncia con su solo de violín un cambio. Comienza la segunda parte de la caminata, esta vez bajo el sol implacable. Cierra los ojos, está a tu alrededor, en todos lados, el ardiente manto de putrefacción. Ohme versa sobre las ganas de morir, de terminar con el suplicio con una certera bala en la cabeza, pero hay algo que impulsa a la vida, a caer y a ponerse de pie nuevamente, porque de todos modos, ¿No tenemos todos nuestro propio camino que seguir?...

Tick Tock va más profundo aún. El sonido del reloj emula el ritmo continuo de las pisadas en el desierto. Es increíble cuan hondo cala este tema…no hay lugar donde esconderse. Escuchas el trueno, el aire es más joven, el motor está frío, pero si tienes suerte, lo escuchas hablar. Está tu alma desnuda expuesta a la soledad del desierto. El tema intercala riffs, solemnes coros, y una diversidad de texturas deliciosa. La segunda parte de Tick Tock sigue la misma fórmula, con algunos momentos más voluptuosos y electrizantes, que se intercalan con pasajes puramente ambientales, casi new age, y en la parte 3 las letras nos hablan de cómo sin darnos cuenta saboteamos nuestra propia vida, cubriéndonos de mentiras y necesidades creadas artificialmente, pero la verdad, la esencia, jamás desaparece, y aunque permanezca sepultada bajo un manto de artificialidad, es una fuerza que gobierna nuestra vida y nuestras decisiones.

Winter is Never cierra el disco como un precioso arrullo luego de una experiencia tan cercana a la muerte como lo es la violencia del alma expuesta bajo la luz inefable de la verdad. Es el regreso a casa, sentir nuevamente las manos del ser amado, pero con una nitidez diferente, viendo su cara bañada por una luz exangüe. Es una sensible manera de demostrar que, para el ser humano en su esencia más íntima, no existe el invierno, pues el espíritu tiende a la belleza, a la creación, al orden y a la luz. Una canción que se aleja lentamente en el horizonte, extendiendo con elegancia sus alas blancas, estremeciéndonos, y haciéndonos agradecer a Gazpacho por una creación como esta, que no necesita de grandes complejidades para tocar las alturas.


Composiciones

1 Desert Flight (7:39)
2 The Walk (13:41)
3 Tick Tock (22:24)
4 Winter Is Never (4:55)

Tiempo Total: 48:39

Formación/ Músicos

- Thomas Andersen / piano & keyboards
- Jon-Arne Vilbo / guitar
- Kristian Torp / bass
- Mikael Kromer / guitar & violin
- Robert R. Johansen / drums
- Jan-Henrik Ohme / vocals

Espero les guste

¡Saludos!

TIME´S FORGOTTEN - Dandelion (2009) Metal Progresivo, Costa Rica


Time´s Forgotten es una banda de metal progresivo creada en 2004 en San José, Costa Rica. Su miembro fundador más destacado es Juan Pablo Calvo, quien comenzó a tomar clases de piano a los 8 años, pero rápidamente se inclinó por la guitarra siguiendo la corriente grunge. Pronto descubrió el heavy metal y el rock progresivo y, cuando terminó la escuela, dejó la guitarra para volver a los teclados. Luego de participar en diversas bandas y de aprender cómo escribir y arreglar canciones, decide formar una nueva banda: Time´s Forgotten. Para esto se contacta con otros talentos amantes del metal y el progresivo, junto a quienes conforman la banda más prominente de la escena progresiva de su país.

En 2006 lanzan su primera placa, “A relative moment of peace”, con la cual logran éxito comercial, y posteriormente comienzan sus primeras presentaciones en vivo. Ya en 2007 son invitados a presentarse en el respetado escenario del Bajaprog mexicano, donde son la primera banda costarricense que participa de dicho festival.


El estilo de esta banda puede ser descrito como un metal progresivo inspirado en diversas influencias. Al escuchar su música recordamos de inmediato a Dream Theater, pero también identificamos guiños a Porcupine Tree y a Pink Floyd en los momentos acústicos y atmosféricos, y a Opeth en los pasajes de mayor intensidad.


Para quienes conocen “A Relative Moment of Peace”, al enfrentarse a “Dandelion” notaran de inmediato que es un disco con mayor complejidad y fuerza que el anterior, mayor protagonismo de la batería y pasajes mucho más intensos. De igual modo, la banda sigue utilizando muy bien la combinación entre el metal, los momentos acústicos y los arreglos electrónicos, dando como resultado un disco muy bien construido, con composiciones de melodías entrañables, ricos arreglos, excelente vocalizaciones y, sobre todo, una frescura distintiva. Y es que “Time´s Forgotten” son, a mi gusto, una de aquellas bandas metal progresivas capaces de dar un paso al costado y de darle identidad a su sonido, diferenciándose de las fórmulas ya tan manoseadas del género, y logrando incluso crear temas que quedan impregnados en el oyente luego de una preliminar primera escucha. He leído algunos comentarios en la red, en los cuales algunos melómanos echan de menos “más solos” en el disco. Por mi parte, valoro el álbum tal y como es, y pienso que si le hubiera dado mayor palestra al virtuosismo, “Dandelion” no me hubiese llegado como lo hizo. Para mí, el valor de este trabajo reside en su sonido fresco y versátil, donde las maravillas técnicas son solo un ingrediente, no la finalidad.

“Dandelion” es, con certeza, un paso adelante en la carrera de los “Time´s Forgotten”, recomendado para todo amante (o amigo con ventaja ocasional, entre los que me incluyo) del metal progresivo.


Listado de composiciones

1. 8:03pm (These Streets)
2. Second Time
3. Indifferent
4. Silent Waters
5. The Tale of the Sun and Moon (Dandelion)
6. Backhome
7. Everything's Not Lost
8. Gone Into the Mountains
9. I Welcome You My Night

Formación / Músicos

Francisco Longhi / Voz principal
Juan Pablo Calvo / Teclados, voz, samples
Ari Lotringer / Guitarra, voz
Leonardo Valverde / Guitarra, voz
Jorge Sobrado / Percusiones acústicas y electrónicas
Carlos Pardo / Guitar bass

Invitados

Eduardo Oviedo / Vientos (tin whistle, low whistle y Uillean pipes)
Oscar Blanco / Voz y versos
Adriana Muñoz / Voz, grunts
Julio Nájera / Voz
María Fernanda Calvo / Voz

¡Visita el myspace de la banda!

http://www.myspace.com/timesforgottenband

No olvides pasar por los comentarios

Saludos!

CHARANKU – Charango Progresivo (2008) Folk Progresivo, Chile


Charanku es una agrupación musical que desarrolla su propuesta en base a la sonoridad combinada de tres charangos, guitarra eléctrica, bajo, piano y batería. Su música fusiona elementos provenientes de distintas vertientes, tratando de construir un camino original, producto de la búsqueda y la experimentación. Charanku transita entre el mundo andino del charango y las sonoridades propias de la ciudad moderna, en un juego libre y desprejuiciado que le pone alas a la imaginación.

La historia de Charanku se remonta al año 2001, cuando el coreógrafo Mauricio Barahona le encarga a Ítalo Pedrotti la música para su obra “Fotodanza”. La idea era incluir una pieza musical compuesta para un ensamble de charangos dentro de una estética “delirante”, como la definió el propio coreógrafo. Surge entonces la obra “Cuatro Jinetes”, y con ello la idea de seguir desarrollando este concepto musical.

Este disco fue grabado entre Septiembre de 2007 y Mayo de 2008. Se trata del primer disco en estudio de Charanku, el cual recopila 10 composiciones instrumentales unificadas por una sonoridad en donde el eje principal es el charango. La idea de esta primera producción es comenzar a explorar un territorio nuevo para este instrumento, que siempre se ha asociado a la música andina y folklórica latinoamericana, y que en esta ocasión transita por los caminos del rock. El disco ha sido financiado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes del Gobierno de Chile, y es el resultado de un proyecto titulado “Charango Progresivo”, presentado a concurso público en Marzo de 2007. (Extraído de http://www.charanku.cl/)


Charangos ejecutados con elegancia y pulcritud, profundos y extensos solos de bajo, teclados atmosféricos, un exquisito piano (“Vuelo de Pájaros”), una batería mística e hipnótica y, por supuesto, una chispeante guitarra eléctrica (“Sibanak, el ángel errante”) son los ingredientes que dan vida a “Charango progresivo”, refrescante producto chileno que vio la luz en 2008. Esta obra transita entre una delicada melancolía andina (“Reencuentro”) y pasajes muy intensos (“Cuatro Jinetes”), donde todos los instrumentos comulgan alrededor de una erupción impresionante de sonidos. Y es que, aunque el charango es un elemento protagónico, y sorprende la variedad de maneras en que es utilizado, cada instrumento tiene su momento de fulgor, como en toda obra que se precie de llamarse “progresiva”. De verdad agradezco al azar por haber hecho que me encontrara con esta riquísima obra. Sin exagerar, a lo menos experimentarán asombro luego de oírla de principio a fin. ¿Alguna referencia? Sí. Podrían ser Los Jaivas, con la académica pulcritud de Congreso, más una importante dosis de originalidad…y todo lo anterior con el mágico toque del charango!

Listado de Composiciones

Reencuentro
Otoñal
Tonada Triste
Cuatro Jinetes
De Ushuaia a la Quiaca
Vuelo de Pájaros
Sibanak, el ángel errante
Sideral
Ascotán
Amaneceres

Formación/ Músicos

Ítalo Pedrotti (charango, charangón, ronroco, guitarra acústica y percusión)
José Luis Delpiano (charango)
Ítalo Aguilera (guitarra eléctrica)
Patricio Lisboa (guitarra eléctrica, contrabajo y loops)
Felipe Conejero (bajo eléctrico)
Diego Salazar (piano acústico y eléctrico)
Marcelo Arenas (batería).

No olvides pasar por los comentarios

Saludos!


CAMEL - Moonmadness (1976) Progresivo Sinfónico, U.K

Tallado bajo , , , Por Usul
Hola amigos

En esta ocasión les dejo este emblemático disco de los ingleses de Camel. Sí eres un seguidor de este género, me parece que no es necesaria una presentación de esta banda.

Moonmadness nace con el propósito de convertirse en un álbum conceptual basado en las personalidades de los miembros de la banda: Andy Latimer fue “Airborn”, Andy Ward fue “Lunar Sea”, Peter Bardens fue “Chord Change” y Doug Ferguson fue “Another night”. Debido a las críticas recibidas por su álbum "The Snow Goose" (1975), el cual fue totalmente instrumental, Camel decide construir este disco bajo un concepto sencillo y además incorpora letras a algunos temas. El resultado, más allá de la intención inicial, es realmente impecable.


Solo me bastó oirla una vez de principio a fin para caer rendido ante esta extraordinaria creación de Camel. Desde ese momento, este disco es uno de mis favoritos. Para mí, el sonido que logra la banda en este trabajo puede resumirse en tres palabras: Melancolía, Belleza y Delirio. Imaginen estas tres sensaciones entrelazadas en una exquisita combinación y podrán hacerse una idea de los lugares que podrán alcanzar oyendo Moonmadness.

¿Por qué es una obra maestra? Por que está compuesta por siete composiciones soberbias, tres instrumentales y cuatro cantadas, sin que ninguna de las partes desmerezca en lo más mínimo el trabajo total. Lo único criticable, a mi juicio, es el desempeño de las voces, lo cual de todos modos no interfiere mayormente con el espíritu del disco. Además de los sobrecogedores ambientes presentes, son dignas de destacar la belleza, existencialismo y sencillez de las letras que los acompañan. Camel no necesitó demasiadas palabras ni complicadas frases para plasmar versos de una profundidad que emociona, versos que se encuentran imbricados a la perfección con cada sonido.

En resumen, este trabajo es un continuo viaje entre el interior y el exterior, entre la sensibilidad y los rincones más profundos de la conciencia, dando al oyente la posibilidad de experimentar una riquísima gama de sensaciones. Sin duda, uno de los discos más extraordinarios del género.


Listado de Composiciones:

1.- Aristillus (1:56)
2.- Song Within a Song (7:14)
3.- Chord Change (6:44)
4.- Spirit of the Water (2:07)
5.- Another Night (6:57)
6.- Air Born (5:01)
7.- Lunar Sea (9:10)

Bonustracks

8.- Another Night [Single Version] (3:22)
9.- Spirit of the Water [Demo] (2:13)
10.- Song Within a Song [Recorded Live at Hammersmith Odeon] (7:11)
11.- Lunar Sea [Recorded Live at Hammersmith Odeon] (9:51)
12.- Preparation / Dunkirk [Recorded Live at Hammersmith Odeon] (9:32)

Formación/Músicos:

- Doug Ferguson / bass, lead vocal on 2
- Andy Ward / drums, percussion, voice on 1
- Peter Bardens / keyboards, vocal on 4
- Andy Latimer / guitars, flute, recorder and vocal on 2, 5 and 6

Traducción de letras/ Lyrics

Aristillus (1:57)

(Instrumental)

Canción dentro de una canción (7:14)

El sol ha dejado el cielo
Ahora puedes cerrar los ojos
Dejar el mundo atrás hasta mañana
El sueño es como una canción
Te lleva sin cesar
La gaita toca su melodía y debes seguirla
Más allá del cielo
Sin saber cómo o porqué
Te das cuenta de que esta sensación es eterna
Y aunque otro día
Puede robarte tus sueños
Tú y la canción permanecerán juntos por siempre.

Cambio de acorde (6:44)
(Intrumental)

Espíritu del agua (6:44)

Ve las luces fuera en el agua
Ven y observa, de un lado para otro
En el tiempo que tardas en encontrarlas
Puedes vivir, puedes morir
Y nada detiene el curso del río
Todos solos y todos juntos
Cada día, pase lo que pase
En el momento en que nos encontremos
Podemos vivir, podemos morir
Y nada detiene al río cuando pasa
Nada detiene el curso del río

Otra noche (6:57)

Nubes negras ante nuestros ojos
Sin poder enfrentar el cielo matutino
El día vuelve demasiado pronto
Estoy esperando aquella luna plateada
Tal vez estoy equivocado
Pero me estoy sintiendo como otra noche
Podría hacerlo bien
El crepúsculo se está desvaneciendo
Parece como si me estuviera desvaneciendo también
Cómo puedo creer que es real?
Cuando nada comienza a detener esta rueda?

Nacido en el aire (5:03)

Planeador de las alturas, extiende tus alas
Volando alto en una nube
Nacido en el aire, volando en espiral
Tan ocupado haciendo círculos
Tú nunca pisas la tierra
Ves el mar, sientes el cielo
No sabes dónde vas cuando mueres
No sabes las respuestas
A lo que está en mi mente
Cabalgando el viento y girando con la marea
La vida te levanta y te derriba
Cambias el sufrimiento que permanece
Te mueves rápidamente, a pesar del viento y la lluvia
Y si el mundo sigue girando
Tú volverás de nuevo

Mar lunar (9:10)


(Instrumental)

GARY WILLIS - ACTUAL FICTION (2007) Jazz Fusion/Experimental

Tallado bajo , , , , , Por Ovejuno


Todos, o casi todos (los fans del JazzRock), sabemos que el ultimo disco de Tribal Tech fue "Rocket Science" y que fue lanzado el año 2000. Despues de esto los cada uno de los miembros de TTech han seguido sus carreras por separado y uno de los que mas han sobresalido en el medio ha sido Mr Gary Willis. Bueno, Su disco "Actual Fiction", lanzado en el 2007, nos presenta una buena dosis de fusion, no solo rock y jazz, sino que tambien incluye en la mezcla muchos elementos de electronica como podran apreciar en el primer corte "Cartoon Fetish".

En lineas generales, como disco solista (Y obvio, colaboraciones de primer nivel), es un disco parejo y sin grandes sobresaltos, pero esto no quiere decir que sea aburrido, ya que este nos abduce con sus sonidos medios alienigenos y simplemente no nos deja caer hasta que termina el disco.

Profundizando nos encontramos con el primer corte "Cartoon Fetish", una tema de apertura bastante vivo, y quizas un poco dificil de asimilar a primera escucha, sus rapidas lineas de bajo y bateria electronica no te van a dejar indiferente, se los aseguro.
Y para calmar las pasiones nos encontramos con "Smell Like A Party", un tema mucho mas sobrio, mas contenido, y siempre con esa beta funkera de Willis, caracteristica de la que ha hecho su sello. Incluye tambien retazos de conversaciones, simulando tal cual el titulo una fiesta, o al menos que "huele a fiesta"...
El tercer corte, "Podcast", entra de lleno en esa area alienigena de la que le hable hace un momento, este tema tiene mucho de musica chill-out, siempre manteniendo cierta simplicidad, al menos aparentemente, el tema nos lleva de caida libre a un jazz-fusion de primer corte donde siempre el bajo de Willis tiene la libertad para hacer y deshacer.
"Say Never", es un tema de corte muy calmo, el que me recuerda mucho a esas lineas de bajo mas clasicas, muy a la Jeff Berlin quizas, pero el que nunca deja de sorprender con los recursos que ocupa, musicales y extra-musicales, en fin... El tema, como decia, es de un corte mucho mas libre que los anteriores, ya que deja solo a Willis delante de todo, llevando un lirismo muy bueno y terminando sin problemas las lineas que propone en una efectiva, si, efectiva improvisacion grupal.
Y bien, llegando a la mitad del disco, este nos vuelve a dar una vuelta a lo que quizas estabamos esperando. "Eye Candy", tal como su nombre lo propone, crea imagenes en donde el foco no debe estar en lo central, sino mas bien en los detalles que nos propone... la idea de esto es que definitivamente perdamos el miedo a perder el foco, musicalmente hablando, para que podamos adentrarnos sin dramas en la propuesta que se nos muestra y dejarnos llevar...
el tema siguiente "Take Me To Your leader" comienza con una intro bastante psicodelica e hipnotica, para continuar con un suave groove. Es un tema mas uniforme que los anteriores, siempre dejando ese espacio necesario al silencio entre idea e idea... y como se puede apreciar ya llegando al final el tema toma todo su peso, jazzero per se.
"Mean Steak" es un tema que se acerca mas al grupo que hizo conocido a Willis, posee esa fina mezcla de rock, funk, jazz y vanguardia. Siempre de la mano de Gary el tema se desarrolla y entra en una rica improvisacion entre bateria y bajo para terminar en una secuencia de acordes que sinceramente hace que se me paren lo pelos :D
El tema siguiente "If Only It Could Talk" se conecta de manera inmediata con un track en particular, "Smell Like A Party". Toma esa misma onda desde el primer momento y sin embargo tambien no deja de ser bastante peculiar, es como si fueran dos temas en unos, simplemente indescriptible.
"Tio Loco" vuelve al groove funk, en si es un tema bastante sencillo, con estructura de cancion, pero sin dejar de ser un tema entretenido y hasta bailable. Siempre con el bajo bien presente y una bateria que acompaña en todas.
Y ya cerrando el disco se encuentra "Based in A True History", quiza el tema mas complejo, rico en texturas y que me recuerda mucho a Weather Report por esa sonoridad, arreglos y composicion. Tambien, ademas de complejo, es un tema muy denso y oscuro... tal cual su nombre, trata de describirnos nuestro entorno; con esto me recuerda mucho al gran Coltrane y su saxo, dibujando lineas de furia y realidad en su free jazz, el cual este disco tiene mucho aunque no se note en las primeras escuchas...

Actual Fiction - Gary Willis


Track list

Cartoon Fetish
Smell Like A Party
Podcast
Say Never
Eye Candy
Take me To Your Leader
Mean Steak
If Only It Could Talk
Tio Loco
Based In A True History

Line up

Kirk Covington: Bateria
David Gómez: Bateria
Gary Willis: Bajo electrico y todo lo demas

que lo disfruten, saludos!
EAVB_WPZYPKAPVP


PORCUPINE TREE - The Incident - La banda anuncia nuevo disco para septiembre!


Traduzco información oficial anunciada por la banda:

"Porcupine Tree está feliz de anunciar el próximo lanzamiento de su décimo álbum de Estudio, "The Incident". La grabación será lanzada por Roadrunner Records para todo el mundo el 21 de Septiembre como un CD doble.

La pieza central es el track que le da nombre al disco, la cual ocupa la totalidad del CD1. Este trabajo, con una duración de 55 minutos (!!! :shock: ), puede ser descrito como "una canción cíclica, ligeramente surreal, que nos habla de comienzos y finales, con un sentimiento de que "después de esto", las cosas jamás volverán a ser iguales..."

Este álbum se completa con cuatro tracks independientes desarrolladas por la banda el pasado diciembre, y están separadas en un EP para marcar su separación de la primera "suite".

Pronto habrán videos de la banda en estudio trabajando en la construcción del disco, y también previews de audio, para disfrutar online. La banda comenzará en Septiembre una gira para promover el álbum (Y sudamerica? seguramente no hay que hacernos ilusiones :cry: )"

Tracks:

Disco 1

1. The Incident
I. Occam's Razor
II. The Blind House
III. Great Expectations
IV. Kneel and Disconnect
V. Drawing the Line
VI. The Incident
VII. Your Unpleasant Family
VIII. The Yellow Windows of the Evening Train
IX. Time Flies
X. Degree Zero of Liberty
XI. Octane Twisted
XII. The Séance
XIII. Circle of Manias
XIV. I Drive the Hearse

Disco 2

1. Flicker
2. Bonnie the Cat
3. Black Dahlia
4. Remember Me Lover

Músicos

Steven Wilson - vocals, guitar, piano
Richard Barbieri - keyboards, synthesizer
Colin Edwin - bass guitar
Gavin Harrison - drums

Fecha de lanzamiento: September 21, 2009.
Sello: Roadrunner

A esperar otra de las sorpresas de este fructífero 2009!

THE MARS VOLTA - Octahedron (2009) Heavy Prog/ Psicodelia

Tallado bajo , , , , , , Por Usul

Por fin está en nuestras manos! Hace poco ha aterrizado “Octahedron”, la nueva placa de los Mars Volta, y ha venido para quedarse.

Nuevamente es el pintor surrealista estadounidense Jeff Jordan (http://www.jeffjordanart.com) quien le da vida al artwork de este nuevo trabajo. Con su particular estilo, desde “Amputechture” de 2006 Jordan ha consolidado una imagen para la banda, imagen que con seguridad le queda muy bien, y que es fiel a los delirios y desvaríos de sus sonidos y líricas.

Antes de compartir con ustedes mi experiencia del disco, les adelanto que al escucharlo se encontrarán con algo muy diferente a lo que imaginaban. Por supuesto, a todos quienes nos gusta la banda esperamos que este nuevo álbum se parezca a nuestro disco favorito. Pero no. Estamos frente a un producto único, que difícilmente resiste comparaciones. De eso me di cuenta luego de apreciar varios de sus temas. En fin, los invito a conocerlo!

Todo comienza con “Since We´ve been wrong”, el tan anunciado primer single del disco. Al principio, sólo oímos una nota en el teclado, la cual no hace más que sumergirnos lentamente en el etéreo mundo de Octahedron. Luego se suma una guitarra acústica y la voz de Cedric en un estilo bastante íntimo. Recién en el coro la eléctrica de Omar comienza a entrelazarse con Cedric, y se asoma la decadente psicodelia que le da el sello a la banda, pero con una sobriedad y moderación que sorprenden. Aunque logra aumentar la energía del tema, incluso la posterior intervención de Thomas Pridgen en la batería suena algo tímida, sobre todo si recordamos su estruendoso debut en “The Bedlam in Goliath”.


Cuando ya comienzo a preocuparme, “Teflón” llega a sacarnos del letargo. ¡Sí! Una pequeña inyección de fuerza al disco, aunque la batería para mi gusto sigue sin atreverse. Pero el resto de la banda hace un trabajo impecable, creando un escenario obscuro y profundo como solo ellos saben hacerlo. De todos modos, sigo teniendo esa sensación de que este “Octahedron” no es una debacle de energía como los trabajos anteriores de la banda, sino que todo sonido está perfectamente contenido, moderado y calculado. Veamos que sucede a continuación…

…debo decir que me encanta la hipnótica apertura de”Halo of Nembutals”. De improviso, este frágil velo es roto por la poderosa batería de Pridgen, la cual rápidamente vuelve a comportarse de manera educada, y nuevamente me deja con las ganas de oír todo su potencial. El desarrollo del tema es bastante parejo, sin sorpresas, hasta que en el minuto 4:50 por fin hay signos de desquicio! El piano se descontrola, acompañado de poderosos y graves riffs, y de una batería moderada, pero con presencia. Lo malo es que el delicioso bocado acaba demasiado pronto...en fin, aún queda disco, así que sigamos escuchando pacientemente…

“With twilight as my guide” nos acuna en un lento espiral. Las texturas y arreglos son exquisitos y envolventes, jugando entre la obscuridad y la luz. Aunque el tema no es espectacular, por primera vez en el disco siento que los contornos de este “Octahedron” se difuminan, y que la energía tan fuertemente contenida encuentra una vía de escape en forma de una espesa y delirante nebulosa que se expande lentamente hacia los sentidos...

¡“Cotopaxi”! Por fin se deciden a presionar la válvula de escape! Me aburrí de las comparaciones. Simplemente, me dispongo a disfrutar del quinto álbum de estudio de los Mars Volta, el cual ya a estas alturas ya me comienza a hacer sentido como un todo en sí mismo. Parece que, de a poco, voy comprendiendo la esencia de este nuevo álbum, y comienzo a penetrar en su mundo…

“Desperate graves” se me presenta como una delicia desde el principio. Creo que me he topado con una de mis favoritas del disco! La melodía, los arreglos, la fuerza…tiene todo lo necesario como para grabarse en tu inconsciente. Mi único pero, como con todos los buenos momentos de este disco, es que termina demasiado pronto!

El desarrollo de “Copernicus” me parece muy interesante, incorporando sonidos en vías totalmente innovadoras si los comparamos a discos anteriores. El estilo introvertido y etéreo de esta composición ya no me descoloca, sino que para mí sigue una continuidad con el resto de los temas. Y es que hay un único sentimiento que cruza a “Octahedron”, una especie de cordón umbilical o hilo conductor que le da unidad y coherencia, y que se muestra fácilmente ante nosotros si lo escuchamos con apertura…

“Luciforms” despide este disco tan largamente esperado por muchos. Para mí es el cierre perfecto, pues siento que es capaz de resumir mi experiencia con el álbum. El tema comienza muy tímidamente, casi cándido, y de a poco la energía contenida comienza a encontrar su escape, manifestándose en volutas de humo en formato sonoro que ondean hipnóticamente. De pronto, la energía se dispara! Recorre distancia, y al verse libre, comienza una carrera frenética a manos de Omar Rodríguez, quien nos recuerda en este tema que no por nada es uno de los guitarristas más reconocidos del rock de vanguardia actual! Diversos arreglos, atmósferas y lenguajes conviven en esta peculiar composición que gradualmente concluye a “Octahedron”, uno de los lanzamientos progresivos más anunciados para este 2009, el cual seguramente ganará tantos adeptos como detractores. Pero, sea como sea, el nuevo trabajo de The Mars Volta no pasará desapercibido, pues es en esencia una propuesta tan diferente a lo que ellos nos tienen acostumbrados que invita a experimentarla con los oídos abiertos, libres de prejuicios y comparaciones.


Listado de composiciones

01. Since Weve Been Wrong 7:20
02. Teflon 5:04
03. Halo Of Nembutals 5:30
04. With Twilight As My Guide 7:52
05. Cotopaxi 3:38
06. Desperate Graves 4:56
07. Copernicus 7:22
08. Luciforms 8:21

Tiempo Total: 50:03

Espero que pronto puedan disfrutarlo!!!

Y no olviden dejar sus comentarios


Saludos!

Il Bacio Della Medusa - Discesa Agl'inferi d'un Giovane Amante (2008) Progresivo Sinfónico Italiano


Amigos lectores:

Primero que todo, agradezco a mi colega Ovejuno su excelente trabajo en el diseño del blog, realmente se ve muy bien, y le da un toque fresco a nuestro espacio...Aplausos para mi amigo!

Segundo, si se fijan, la frecuencia con que actualizamos nuestro blog ha disminuido un poco por problemas de tiempo. Pero siempre estamos atentos e informándonos de novedades y/o noticias para compartir con ustedes. Así que les agradecemos sus comentarios y visitas, nos dan ánimo para seguir robusteciendo nuestro árbol progresivo!

Para inaugurar nuestra nueva cara, les traigo un hermoso disco italiano de 2008: "Discesa Agl'inferi d'un Giovane Amante", de los italianos de Il Bacio Della Medusa.

El nombre de esta banda significa en español "El beso de la Medusa". Fue fundada por Diego Petrini, Federico Caprai y Simone Cecchini el año 2002. Sus integrantes son Simone Cecchini (voz, guitarra acústica, saxo), Simone Brozzetti (guitarra eléctrica), Federico Caprai (bajo), Diego Petrini (batería, órgano, piano), Eva Morelli (flauta, piccolo) y Daniele Rinchi (violin). El sonido de "Il Bacio..." recuerda a clásicos del progresivo italiano de la envergadura de Premiata Forneria Marconi, pero con cierta inclinación al hard rock.

Su segundo disco, lanzado en 2008, combina diversos estilos de manera soberbia. Es un álbum conceptual, inspirado en la Divina Comedia de Dante Alighieri, y se caracteriza por su dramatismo y una continuidad muy bien lograda. La belleza del progresivo sinfónico italiano se hace presente gracias a la voz cargada de pasión de Simone Cecchini, la sensibilidad de las cuerdas y la versatilidad de la flauta de Eva Morelli. Dicho intimismo transita con naturalidad hacia pasajes más heavy, donde la batería, el saxo, la eléctrica y el teclado hammond logran un sonido fresco y diverso. “Discesa agl'inferi d'un giovane amante” viene a reafirmar la maestría de los italianos al hacer progresivo y, a la vez, mantiene vivo el sonido clásico, pero con un espíritu renovado. Sin duda, un trabajo excepcional!

Listado de composiciones:

1. Preludio: il trapasso (3:43)
2. Confessione d’un amante (3:05)
3. La bestia ed il delirio (5:09)
4. Recitativo: è nel buio che risplendono le stelle (3:58)
5. Ricordi del supplizio (6:27)
6. Nostalgia, pentimento e rabbia (6:59)
7. Sudorazione a freddo sotto il chiaro di luna (6:03)
8. Melencolia (5:39)
9. E fu allora che dalle fiamme mi sorprese una calda brezza celeste (3:22)
10. Nosce te ipsum: la bestia ringhia in noi (5:27)
11. Corale per messa da requiem (3:54)
12. Epilogo: conclusione della discesa agl’inferi d’un giovane amante (1:48)

Para degustar.
Confessione d’un amante



Esperamos que disfruten esta joya italiana. Y no olviden pasar por los comentarios!

Saludos!!

Damo Suzuki, ex vocal de Can, en Chile

Tallado bajo , , Por Ovejuno
Rompo mi silencio con este notición

Ex vocalista de Can llega a Chile y programa show junto a Congelador




Un ícono de la experimentación sonora llegará a Chile el viernes 5 de junio, para desplegar en directo toda una batería de elementos que harán se su show un imperdible. Se trata de Kenji “Damo” Suzuki, ex vocalista de la banda alemana Can, puntal del krautrock que además es conocido en el mundo entero por su espíritu nómade que lo lleva a viajar por el planeta, explorando los límites de la música a través de espectáculos que recurren a la improvisación como ejercicio creativo. Siempre acompañado por una banda del país que visita, en su paso por Chile Damo Suzuki estará junto al grupo local Congelador para presentar una jam en el escenario del Cine Arte Normandie.

La vida de Damo Suzuki está marcada por la búsqueda de un camino artístico donde el azar ocupa un lugar muy importante; de la noche a la mañana pasó a transformarse en la voz oficial de los alemanes Can, firmando junto a ellos los discos más trascendentes de la agrupación: Tago Mago (1971) y Ege Bamayasi (1972). Tras abandonar su faceta de cantante en la primera mitad de los setenta, Suzuki dedicó su tiempo a profundizar en sus creencias religiosas ligadas a los Testigos de Jehová, para volver a la música en 1983, fecha en que comenzó la interminable gira de conciertos que por primera vez lo trae a Chile.

Su llegada a nuestro país marca un nuevo destino dentro de la ruta de Damo Suzuki y es para el público chileno una oportunidad única de apreciar en vivo un espectáculo ciertamente irrepetible. A esto se suma la compañía de Congelador, banda pilar dentro del rock chileno realizado de los últimos quince años, quienes llenarán con sus instrumentos una noche que promete marcar la memoria de todos los asistentes. Las entradas estarán a la venta a partir de este lunes 18 de mayo en las boleterías del Cine Arte Normandie a un valor de $8.000 y $10.000 el día del evento.

Sin duda sera un gran evento que no deberia dejar indiferente a nadie, no creen?
lo que si seria aun mejor, es que este señor viniera a valparaiso :D



Saludos!

The Mars Volta anuncia nuevo disco: "Octahedron"

Tallado bajo , , , , Por Usul

Amigas y amigos del Árbol progresivo: hace unos minutos me enteré gracias a la Radio Futuro de Chile de una gran noticia que me gustaría compartir con ustedes: The Mars Volta, sí, la potente y explosiva banda de sonidos progresivos, psicodélicos, obscuros y delirantes ha anunciado su quinto disco de estudio llamado “Octahedron” para el próximo 23 de Junio! Como directamente rescatados del cuento más decadente y tétrico de H.P Lovecraft, con esta nueva placa prometen remecer la escena con excesivas dosis de energía en formato sonoro, derritiendo cerebros y rompiendo vidrios a mansalva. Según la información disponible hasta el momento, su primer single llevará por nombre "Since We'Ve Been Wrong", y el resto de los temas serán:

1 Teflon
2 Halo of Nembutals
3 With Twilight as My Guide
4 Cotopaxi
5 Desperate Graves
6 Copernicus
7 Luciforms


Nuevamente el duo Rodriguez-Lopez y Bixler-Zavala se acompañarán de Marcel Rodriguez-Lopez, el frenético y rompesuelo batero Thomas Pridgen, el teclista Isaiah "Ikey" Owens, el bajista Juan Alderete de la Peña y el guitarrista John Frusciante, vitalicio de los Red Hot Chili Peppers.
-
UN ADELANTO DE LO QUE SE VIENE:
-
Les dejo un regalo que consta de dos archivos de audio: Uno es un adelanto de 30 segundos del primer sigle de Octahedron, "Beneath the Eyelids - Since We've Been Wrong", y el otro es el mismo tema en vivo y en versión acústica. Un single bastante sobrio, en mi opinión, si lo comparamos a "Ilyena" de la maldición de Goliath.

http://rapidshare.com/files/222542591/TMV.rar

Eso hasta el momento. Sin duda, una espectacular noticia!!! Ya queda poco para disfrutar una nueva joyita de estos chascones, y apenas esté disponible la tendremos en estas páginas, así que a estar atentos!

Saludoooooos!!!!

MAR DE ROBLES - Indígena (2007) Fusión progresiva chilena!

Tallado bajo , , , , , Por Usul

Mar de Robles es, seguramente, una de las bandas con mayor proyección y talento de la escena progresiva chilena. Oriundos de la ciudad de Rancagua, con su música han recorrido diversos escenarios, como el festival Earthdance de Chile y el reconocido BajaProg mexicano. Con solo dos discos en el mercado (“Mar de Robles”, 2003 e “Indígena”, 2007) su estilo recuerda a los King Crimson ochenteros, fusionados inteligentemente con elementos que ellos mismos definen como “étnicos” (sonidos indígenas y andinos, e incluso ritmos de cueca). El resultado es un sonido bastante frenético, de impecable y precisa técnica en bajo, eléctrica, saxo y chapman stick, acompañado por diversos elementos que colorean el conjunto. En sus composiciones podemos encontrar también momentos íntimos, casi místicos, en los cuales la flauta traversa, percusiones y arreglos son capaces de crear una atmósfera mágica y expansiva. Éste es el sello personal de su música.

Si es necesario compararlos con alguna banda latinoamericana, quienes más se acercan al sonido de esta banda son para mi gusto los mexicanos de “Cabezas de Cera”, aunque Mar de Robles suena algo menos vanguardista que estos últimos.

Sus dos discos son muy similares en cuanto a estilo. En su segunda placa, la fórmula es en esencia la misma que en su debut. Pero, a mi juicio, “Indígena” suena como una extensión más sobria y madura que su antecesor, siendo notoria la búsqueda de una identidad más cercana a lo instrumental. Encontramos una obra más homogénea, con mayor virtuosismo y experimentación técnica, pero menor abundancia y versatilidad de ideas junto a un menor protagonismo de la voz de Julio Tobar. Sin embargo, ello no significa que “Indígena” no sea un trabajo de muy alta calidad, sino que más bien Mar de Robles da signos de estar definiendo su sonido en nuevos estándares, demostrando así que su carrera recién comienza. Luego de escuchar el disco, dan ganas de esperar para conocer el rumbo que seguirán sus próximas creaciones. Recomendado.

Listado de Canciones

1. Chúcaro (08:28)
2. X_2004 (04:19)
3. Perimontu (05:43)
4. Rancagua Nocturno (07:42)
5. Aborigen (04:58)
6. Sobreviviente (05:43)
7. Chileneos (07:37)
8. Mar De Robles (05:20)
9. Ubuntu (05:33)

Tiempo Total: 55:23

- Julio Tobar / voz, saxo tenor, flauta traversa
- Rodrigo Moris / guitarra
- Cristián Larrondo / bajo fretless, chapman stick
- Jesús Parada / batería, percusiones
- Ignacio Larrondo / congas, djembé, percusiones

Para más información de la banda, visiten

Y para más información sobre el disco, visiten la reseña realizada por PROGARCHIVES:

http://www.progarchives.com/album.asp?id=15437

Agrego un video de la presentación de la banda en el festival "Earthdance" de 2007, realizado en Picarquín, Chile. En dicho festival además se presentó Ozric Tentacles por primera vez en el país.

Mar de Robles - Chúcaro



Muchos saludos, ojalá se motiven a conocer el disco y la banda!

Y no olviden vistar los comentarios ;)

WILLIAM GRAY - Living Fossils (2006) Progresivo Sinfónico, Argentina

William Gray surge a partir del proyecto solista "Living Fossils", grabado en forma independiente por músicos invitados. Entre ellos, integrantes de la orquesta académica del Teatro Colón, del coro de la Facultad de Ingeniería (UBA) y de Cámara 31, Pez, La Rockafonica, The Sheppers, y de la Orquesta típica El Astillero (tango). La masterización estuvo a cargo de Mario Breuer. Actualmente cuenta con una formación estable de 10 músicos. En la música de William Gray se entrecruzan el rock contemporáneo, pasajes clásicos, tango y ciertos elementos del folklore argentino. La propuesta en vivo del grupo es el de una ópera rock audiovisual en la que la proyección de las imágenes disputan protagonismo con el desempeño musical, generando así la banda sonora de una historia fantástica.



La obra, cuya lírica es en inglés, se complementa con arreglos para cuerdas, flauta, bandoneón y coro polifónico.

La trama de esta historia que transcurre en un Buenos Aires mágico, lleno de referencias como el zoológico o el antiguo edificio ATC, tiene a Virgilio como su personaje principal. Marcado por la muerte de su familia en un absurdo accidente, Virgilio comienza un viaje, un deambular por la ciudad que borra los límites entre la locura y la lucidez. Su destino lo convierte en un héroe anónimo, acompañado por momentos por personajes que, marginados en la actualidad, le dan su identidad a la Buenos Aires ya perdida.



En "Darkest Side" los arreglos sinfónicos del Hammond están muy bien hechos. Me gusta mucho cuando la guitarra se vuelve protagónica, muy cercana al metal. El cello también aporta con unos arreglos exquisitos. Los corales cerca de "Prossesion I" están muy bien logrados, y son un puente muy interesante hacia la obscuridad de "Fading Points", donde destaco la escalofriante y potente guitarra, y los sonidos "industriales" que metalizan el ambiente. "Broken Minstrel" es un muy buen tema acústico donde las cuerdas dominan la escena (guitarras y violines), con una interpretación realmente de lujo. El piano realiza un final lleno de sensibilidad, que liga inmediatamente con la intimidad de "Introspection". "Urban Battle I" nuevamente nos lleva a sonidos más heavy gracias a la guitarra agresiva y el órgano de Tavella, quien luego nos lleva a un momento de introvertido y obscuro en el piano, que gradualmente va cediendo paso a la eléctrica. Un tema de gran fuerza!!! "Eye in the Hole" estrena un tímido acordeón que acompaña al piano y la guitarra acústica en los arreglos. "Dragonfly" da paso a la belleza y la simpleza, tema sonoro que tiene continuidad con el instrumental "Sadness", pero con una tonalidad mucho más melancólica. "Urban Battle II" continua la fórmula sinfónica/heavy, logrando un producto de gran versatilidad. Hay un pasaje percusivo bastante entretenido, que luego deja paso al piano, y posteriormente el acordeón logra una atmósfera memorable. "Interludio" es un puente instrumental hacia "Urban Battle III". La fórmula ya la conocemos: alternancia entre lo sinfónico y lo heavy, con una intensidad ascendente, y un clima cada vez más envolvente y dramático. En "Prossesion II" los coros son realmente bellos, acentuandose en algunos momentos. "Awareness" es de una interpretación tremenda en voz y piano, un final melancólico y tremendo.

"Urban Battle I, Tango Version" es eso: la version tanguera de la minisuite principal del disco. El acordeón, el piano y la guitarra acústica dan lugar a este "bonustrack" de esta absolutamente obra de los argentinos de William Gray.

En suma, un excelente descubrimiento. Lo conceptual del disco y la alternancia entre lo sinfónico y lo más metal me recordó en ciertos momentos al "The Human Equation" de Ayreon, y la cualidad del sonido rememora a bandas neo progresivas sinfónicas como Spocks Beard y The Flower Kings. Si este es su primer disco, para el segundo tengo una expectativa enorme.


Listado de composiciones

1. Intro (0:24)
2. Darkest Side (7:09)
3. Prossesion I (1:52)
4. Fading Points (7:20)
5. Broken Minstrel (5:07)
6. Introspection (2:33)
7. Urban Battle I (5:18)
8. Eye in the Hole (6:29)
9. Dragonfly (4:34)
10. Sadness (2:42)
11. Urban Battle II (7:32)
12. Interludio (2:06)
13. Urban Battle III (4:26)
14. Prossession II (2:24)
15. Awareness (5:52)
16. Urban Battle I (tango version) (3:35)

Formación/Músicos

- Sebastián Medina / voz, guitarra eléctrica & acústica
- Juan Manuel Tavella / Hammond, piano and acordeón
- Federico Ferme / guitarra eléctrica & acústica
- Juan Manuel Saldías / bajo
- Mauro Graziano / batería

Músicos Invitados

- María Fernanda Peluso / coros y arreglos vocales
- Carolina Azcure / coros
- Edurardo Graña / guitarra acústica y arreglos de cuerda
- Mariano González / Bandoneón, Hammond y piano
- Marcela Muollo / cello
- Ricardo Luna / flauta
- Pablo Varela / Bombo legüero

Visita su página web y Myspace: Apoya a la banda!!!

http://www.livingfossilsproject.com/

http://www.myspace.com/williamgrayband

Virgilio está en los comentarios ;)

Disfrútenlo, Saludos!!!

Los Jaivas - El Indio (1975) Folk Progresivo, Chile


Este indispensable trabajo de Los Jaivas fue lanzado en Argentina, en el período en que la banda se encontraba exiliada en dicho país. En ese momento, en Chile reinaba la dictadura, el miedo y la represión. Así, aunque "El Indio" nació lejos de su tierra natal mientras los músicos se empapaban de nuevos paisajes y tradiciones, y aunque el disco se caracteriza por ser un disco alegre y unificador, rescatando ritmos y fuertes sentimientos latinoamericanos, el dolor por el momento histórico que atravesaba Chile inevitablemente se plasmó en la memorable composición "La conquistada".

Contemplando en mi memoria hacia aquel lugar
En el horizonte de mi mente se ha escondido el sol
Como un recuerdo que me llega de su corazón
Ella no existe más...

Ella es una nube que un beso ardiente derritió
Ella no existe más…

Se dice que Eduardo Parra, exiliado en el vecino país, escribió esta letra pensando en la destrucción que vivió la ciudad de Santiago luego de la intervención militar. "Ella no existe más..."...podríamos pensar que la ciudad (y la sociedad) que él recordaba ya nunca sería la misma, que había sido sepultada bajo un mar de terror, escombros, violencia y fuego. La música y la prosa se entrelazan logrando configurar un profundo y doloroso lamento, pero de una fuerza y una complejidad inigualables.

El primer tema es “Pregón para iluminarse”. Esta composición es pura alegría, unidad de conciencias y disolución de fronteras. Expresa el deseo de propagar el amor y la luz por todos los rincones del mundo. Comienza con el gato Alquinta jugando con su flauta, y gradualmente la batería, el charango, piano y la guitarra eléctrica se suman para dar lugar a un bello desarrollo musical. Las letras son realmente hermosas, vale mucho la pena ponerles atención.

Luego, “Guajira cósmica” plasma en sus letras la cosmovisión indígena latinoamericana. Las letras hablan acerca de la relación entre el hombre, la naturaleza y la divinidad. La música posee profundas percusiones, un elegante trabajo del moog y de la flauta, y uno de los mejores desempeños vocales del gato Alquinta en toda su carrera.

Luego viene la profundidad y dolor de “La Conquistada”, tema que con seguridad es mi favorito del disco. Como ya mencioné más arriba, se trata de un complejo lamento, con un ritmo de cueca (baile nacional chileno), pero con un tono muy trágico y dramático (la cueca es un ritmo originalmente muy alegre). La banda plasma sus sentimientos en nostálgicos solos de eléctrica y un piano desesperado. Un precioso y desgarrador ejercicio de desesperada sublimación.



A continuación, “Un mar de Gente” se nos presenta como un himno pletórico de sentimientos de hermandad latinoamericana. Las letras son más poéticas que “Todos Juntos” (de su álbum “La Ventana”), y la música es más profunda y excitante gracias a un rápido charango, frenéticas percusiones, bellos coros y un poderoso ensamble que hace pensar en la existencia de una real multitud detrás de aquel increíble sonido.

“Un día de tus días” es quizá, desde una mirada “progresiva”, el track más débil del álbum. Es menos compleja y más cercana al folk puro, pero es muy alegre y disfrutable también.

Finalmente, “Tarka y Ocarina” es una delicia. Casi 14 minutos de una perfecta mezcla entre el rock y el folk. La composición es todo un viaje a lo largo de sonidos, paisajes e imágenes del norte de Chile. El ritmo de “Diablada” es una versión compleja y única de las diabladas interpretadas por bandas de bronces en la Fiesta de la Tirana, carnaval tradicional que tiene lugar en el pueblo del mismo nombre cada año. Los cambios de ritmo son muy interesantes y bien logrados. En “Trote” y “Kotaiki” Claudio Parra definitivamente brilla en el piano, mostrando pura sensibilidad y belleza.

Muchas palabras podrían ser escritas sobre este disco. No queda más que disfrutarlo y valorarlo.

Listado de Composiciones

1. Pregón Pa' Iluminarse
2. Guajira Cósmica
3. La Conquistada
4. Un Mar De Gente
5. Un Día De Tus Días
6. Tarka Y Ocarina

Formación/Músicos

- Gato Alquinta / Voz, flauta, guitarra acústica y eléctrica
- Mario Mutis / voz, bajo, guitarra eléctrica
- Eduardo Parra / piano eléctrico, mini moog
- Claudio Parra / piano, mini moog
- Gabriel Parra / batería, percusión, voz

No olvides pasar por los comentarios

Saludos!

top